[на главную]     [список ответов на кроссворды]



АНКРЁ — см. Углубленный рельеф.

АНСАМБЛЬ (фр. ensemble, букв. — вместе) — совокупность, гармоническое единство художественных компонентов. А. может составляться из произведений одного вида искусства или объединять различные виды (см. Синтез искусств). А. выражает мировоззренческое представление той или иной эпохи о красоте, что на практике проявляется в выработке системы связей элементов и целого, в пропорциональной согласованности компонентов А. друг с другом и целым. А. — содержательно-структурное единство, которое отражает конкретные идеалы красоты и пользы, соответствующие историческому сознанию общества, и представляет собой определенную систему взаимосвязи различных объектов и действий. Понятие А. — широкое, характерное для всех видов искусства. Виды А. — градостроительный, ландшафтный, архитектурный, интерьерный, предметный (мебельный гарнитур, сервиз, костюм, ювелирные украшения и т. д.), экспозиционный, зрелищный (действо, спектакль, фильм, шествие и т. п.). А. может строиться на единообразии и подобии мотивов и элементов при многообразии их связей (А. классицизма) либо на многообразии компонентов при однотипности связей (А. барокко). А. может естественно складываться (интерьер народного жилища) или специально проектироваться; может создаваться как законченная, замкнутая система (классицизм) либо как открытая система, предусматривающая дальнейшее развитие, свойственное природным формам (древнерусские архитектурные А.). Архитектурный А. живет и развивается в пространстве и времени, его образ зависит от времени года, смены освещения, присутствия и действий людей. Понятие А. исторично, и представление о нем в различные эпохи может не совпадать (в 18 — 1-й пол. 19 в. представление об А. в большей мере соответствовало современному понятию композиции). А. отражает стилистические особенности времени, как бы представляя художественно-пространственную модель организации бытия в каждую историческую эпоху, демонстрируя универсальную интегрирующую способность стиля, связывающего все компоненты в содержательно-структурное целостное единство; стиль выдвигает творческие принципы, определяющие характер связи элементов А. Для русского зодчества 17 в. ведущими были принципы разнообразия и узорности, для классицизма — принципы меры и равновесия (архитектурные А. русских архитекторов В. И. Баженова, А. Д. Захарова, К. И. Росси, А. Н. Воронихина).

АНТАБЛЕМЕНТ — одна из трех главных частей ордера, его верхняя часть, представляющая собой архитектурный образ системы горизонтальных балок. В свою очередь делится по вертикали на три части. 1) нижняя — архитрав, лежащий на капителях колонн или стене; 2) средняя — фриз, лицевая поверхность которого находится примерно в той же плоскости, что и лицевая поверхность архитрава; 3) верхняя — выступающий вперед и завершающий систему сверху карниз. Высотные отношения этих частей в ордерах и постройках разных эпох различны. В большинстве случаев фриз равен по высоте архитраву либо превышает его, но не более чем в полтора раза. Карниз равен фризу либо немного больше его. Высота А. в целом относится к высоте колонны примерно как 1:4.

АНТАРАЛА (санскр. — внутренний дом) — в индуистском храме помещение между святилищем и залом для молящихся.

АНТЕМИЙ (греч. anthemion — цветочек), анфемий — ленточный орнамент из пальметт, чередующихся с цветами или бутонами лотоса. Возник в искусстве Древней Греции (А. стены храма Эрехтейон в Афинах, 5 в. до н. э.).

АНТЕФИКСЫ (лат. antefixum, от ante — впереди и fixum — прикрепленное) — украшения из мрамора или терракоты в виде пальметт или масок, располагавшиеся горизонтальным рядом над симой античного храма, по его продольным сторонам.

АНТИЧНОЕ ИСКУССТВО (от лат. antiquus — древний) — искусство античности, античной эпохи; искусство Древней Греции, а также тех стран и народов древнего мира, культура которых, сохраняя значительную долю самобытности, развивалась тем не менее под определяющим влиянием древнегреческой культурной традиции, а именно искусство эллинистических государств Европы, Азии и Африки, Древнего Рима, его европейских, азиатских и африканских провинций и этрусков; сюда же относится художественное творчество скифов, фракийцев, галлов и других народов в ту эпоху их истории, когда они более всего подвергались греческому или римскому культурному влиянию.Единство античного искусства обусловлено не только общностью основного (греческого или унаследованного от Греции) репертуара его тем, мотивов и форм, но также (и, пожалуй, прежде всего) общностью эстетического идеала, наиболее полно отразившегося в произведениях искусства греческой классики, которые уже в античную эпоху были признаны совершенными и образцовыми. Исполняя в художественной культуре античности роль центростремительного, организующего начала, этот идеал в большей или меньшей степени, прямо или косвенно сказывался на основной массе произведений искусства античной эпохи. Классический идеал сформировался в Древней Греции в 5 в. до н. э. после многовекового предшествующего развития. Социальным фоном его формирования сделалась т. н. полисная демократия, которая победила тогда в наиболее развитых греческих городах и которая предполагала наряду с институтами самоуправления также весьма высокий для своего времени уровень социальных и политических прав, гарантированных всем гражданам полиса (античного города-государства). За короткий период сумел найти выражение классический идеал свободной, самодостаточной личности. Обобщенную, чувственно-наглядную форму этот идеал обрел в искусстве, прежде всего в статуарной пластике, чья специфика (вычленение пластического образа из пространственной среды и особое внимание к проблеме равновесия) особенно этому благоприятствовала. Тот же образ прекрасного и доблестного, совершенного и сознающего свое совершенство человека, образ уравновешенности и спокойной красоты стал господствующим и в других пластических искусствах: в рельефе и в живописи, где он породил особый тип многофигурной композиции, в которой каждая фигура необходима для целого, но сама художественно от него независима; в прикладном искусстве, напр. в вазах (см. Древнегреческие сосуды), в архитектуре, где он проявился в самодовлеющей и одновременно открытой окружению композиции периптерального (см. Периптер ) храма, а также в продуманности и тектоническом совершенстве архитектурного ордера. Неоценимым вкладом античности в мировое искусство явилась также разработанная ее художниками система изобразительных средств воспроизведения действительности, включавшая усовершенствованные приемы передачи анатомического строения и движения фигуры (хиазм) наряду со способами представления трехмерного пространства и объемности предметов в нем (перспектива, светотень и т. д.). Со времени своего появления и далее, в течение ряда столетий античное искусство развивалось на своей родине, в Древней Греции, помимо территории Балканской Греции, вместе с прилегающими островами включавшей западные прибрежные области Малой Азии, а также Великую Грецию (т.е. греческие колонии Южной Италии и Сицилии). После долгой, художественно своеобразной и богатой предыстории, получившей название крито-микенской, или минойско-микенской эпохи (III – II тыс. до н.э.), вслед за тем как с севера на Балканский полуостров вторглись воинственные племена отсталых тогда дорийцев, которые, разрушив очаги высокоразвитой местной культуры, окончательно в этих местах поселились, начинается первый период истории собственно античного искусства, именуемый геометрическим (XI – VIII вв. до н.э.). Для стиля этого периода (т.н. геометрического стиля) характерна предельная простота форм, контрастирующая с художественной изощренностью предыдущей эпохи. Особенно ярко эта суровая простота отразилась в украшенных геометрическим орнаментом вазах. Лишь с кон. IX в. до н.э. их роспись пополнилась фигурами людей – сильно стилизованными темными силуэтами, которые образуют длинные вереницы, заполняя фризы, опоясывающие тулово или горло сосуда; главным сюжетом этих изображений является погребальный обряд (т.н. дипилонские вазы из Аттики). В конце геометрического периода (VIII в. до н.э.) относительно высокого развития достигла также малая бронзовая пластика (находки в Олимпии). К сер. VII в. до н.э., в результате начавшейся столетием раньше колонизации греками отдельных территорий в соседних странах (Малая Азия, Италия, Сицилия, Египет и др.) заметно расширился географический и культурный кругозор греческого общества. Одновременно с этим греческое искусство вступило в свой новый, архаический период, продлившийся до нач. V в. до н.э. Становление архаического стиля было сопряжено с воздействием форм восточного искусства; их усвоение и переработка вызвали к жизни т.н. ориентализирующий стиль, особенно заметно проявившийся в области вазописи. К основным достижениям этого периода можно отнести развитие статуарной пластики (куросы и коры, в которых жесткая фронтальность и симметрия поз постепенно ослабевают, давая место естественной пластике тела) и скульптурного декора храмов (фронтонные группы, многофигурные рельефные фризы и метопы), развитие и начало расцвета вазописи (коринфские вазы, VII в. до н.э.; чернофигурная и краснофигурная аттическая вазопись, VI – V в. до н.э.), становление дорического и ионического архитектурных ордеров и возникновение типа храма-периптера (VII в. до н.э.). Наибольшего совершенства в это время достигает архитектура дорического ордера (храмы в греческих колониях Италии и Сицилии). Архаический период подготовил наивысшее развитие древнегреческого искусства, достигнутое в последовавший за архаическим классический период (V – IV вв. до н.э.), когда в условиях возникшей полисной демократии и возросшего благодаря победам в освободительных войнах с Персией (500 – 449 до н.э.) сознания этнической общности греков классический идеал нашел свое художественное воплощение и обнаружил все основные возможности, в нем заложенные. Искусство Древней Греции в этот период пережило три основных этапа. Первый из них – ранняя классика. Для развития скульптуры на этом этапе характерен заметный прогресс в реалистической передаче человеческого тела: разработка сложных поз ("Дискобол" Мирона из Элевтер), хиазма и контрапоста. В живописи (Полигнот) и вазописи произошло освоение различных ракурсов наряду с разработкой приемов многофигурной композиции. Вместе с тем изобразительное искусство ранней классики оставалось еще далеким от живописных приемов передачи предмета. Так, волосы в статуях передавались не слитной, мягко моделированной массой, а четко разделенными, графически расчерченными прядями; в живописи, как и прежде, преобладал контур и профильное изображение. В то же время для рельефа, как и в предшествующую эпоху, остается характерным слабое выступание уплощенных форм над гладью фона. Следующий этап, именуемый обычно высокой, или зрелой классикой и длившийся с середины века примерно до начала Пелопоннесской войны (431 – 404 до н.э.), принес с собой революционные перемены в живописи (Аполлодор вводит светотень, Агатарх – перспективу), а также завершение предшествующего развития в скульптуре, где выработался первый канон пропорций человеческого тела (Поликлет), пондерация получила свою классическую форму (он же, статуя "Дорифор"), а монументальная пластика в творчестве Фидия (скульптурное убранство Афинского акрополя, статуя Зевса в Олимпии) достигла своего совершенства. Как и в статуарной пластике, в портретной скульптуре преобладает стремление к идеальному образу (Кресилай, портрет Перикла). В архитектуре этого времени продолжал господствовать дорический ордер: лучшие памятники этого времени, напр., Парфенон (арх. Иктин и Калликрат) и Пропилеи (арх. Мнесикл) на Афинском акрополе, являются дорическими. Высшего совершенства достиг тогда же синтез архитектуры и пластики (Парфенон). Следующий за высокой классикой этап, называемый переходным периодом, продлился до кон. V в. до н.э. В искусство этого времени проникает дух пассивной созерцательности и гедонистического любования красотой. Для поздней классики, так же как для больших периодов последующей истории античного искусства характерно наличие двух основных тенденций развития: процесс постепенного отхода от идеала, достигнутого высокой классикой, сочетался в ней с попытками его сохранения, в разной степени успешными. Традиции Поликлета и Фидия еще сохраняли свою жизненность. Однако в скульптуру стали, с одной стороны, все активнее проникать живописные приемы; с другой – впервые возникли тенденции возврата к традициям архаической скульптуры. Достигнутый живописцами (Зевксис, Паррасий) эффект реального присутствия изображенного предмета граничил с иллюзией; высокого уровня достигла в живописи и мимическая экспрессия ("Филоктет" Паррасия). В архитектуре более нежный ионический ордер активно развивался (Эрехтейон и храм Афины-Ники на Афинском акрополе) и занял место, равное по значению более суровому, дорическому ордеру; пространственная композиция храмов стала тяготеть к асимметрия и меньшей регулярности (Эрехтейон, храм Аполлона в Бассах). В искусстве IV в. до н.э., выделяемом как особый этап классического периода, поздняя классика, основные тенденции переходного периода получили дальнейшее развитие. Скульптура этого этапа определялась в основном влиянием трех мастеров статуарной пластики: создателя чувственно-прекрасных и безмятежных образов Праксителя ("Афродита Книдская", "Отдыхающий сатир"), мастера драматических экспрессий и бурных, порывистых движений Скопаса ("Пляшущая менада", фронтонные группы храма Афины Алеи в Тегее) и Лисиппа, изменившего канон Поликлета в сторону большей удлиненности фигур и соединившего особое жизнеподобие с героическим характером образов ("Апоксиомен", "Отдыхающий Геракл", "Отдыхающий Гермес"). Усилилась трехмерная пространственность статуарного образа (исключение – Пракситель, подчеркивавший в своих произведениях фронтальную плоскость). Высокое развитие получила портретная скульптура, отразившая интерес своего времени к характерности отдельного человека (портреты Еврипида, Сократа, портрет Александра Македонского работы Лисиппа). Искусство рельефа также претерпело изменения: образы приобрели черты самоуглубленности, фигуры сделались более пластичными и выпуклыми, чем прежде. Сходные со скульптурой процессы переживала, судя по свидетельству литературных источников, и живопись, тяготевшая к драматизму, эффектам светотени и объемности изображаемых форм (Апеллес, Евфранор, Протоген). В храмовой архитектуре все более значительную роль стал играть интерьер, который мог теперь трактоваться как слитное, а не расчлененное рядами колонн пространство (Скопас, храм Афины Алеи в Тегее); именно в интерьере получил тогда развитие сложившийся в конце предыдущего века коринфский ордер. Уникальным для своего времени памятником сделался галикарнасский Мавсолей (Кария в Малой Азии, арх. Пифей и Сатир), огромная постройка в которой по вертикали сочетались такие разнородные архитектурные мотивы, как ионическая колоннада и пирамида, при этом успешно разрешалась задача объединения столь сложного и масштабного сооружения с разнообразным скульптурным декором (Скопас, Леохар и др.). После завоевания Александром Македонским Персидской державы и возникновения на завоеванной территории новых государств с преемниками (диадохами) Александра во главе были созданы благоприятные условия для распространения на этот огромный регион греческой культуры, отчего вся эпоха, продлившаяся с кон. 4 до 2 — 1 вв. до н. э., получила наименование эллинизма. Поражение демократии и утверждение сильной монархической власти породили в рядовом гражданине чувство несоизмеримости между человеком и окружающим его миром социальных отношений. Образ мира являлся воображению как образ чего-то несоизмеримо огромного и подавляюще сверхчеловеческого, но притом все еще по-эллински величественного и прекрасного — образ, воплощающий новую для того времени эстетическую категорию возвышенного. Но это же чувство порождало желание уйти в малый мир личных чувств и бытовых интересов. Как следствие, в искусстве этой эпохи резче обозначился отход от классического идеала. Так, для скульптуры эллинизма характерны повышенная экспрессия и динамика образа, увлечение многофигурными композициями и колоссальные размеры, с другой стороны, распространение получили идиллические образы и шутливые сценки, элементы бытового натурализма. Этруски, жившие в Средней Италии в 8 — 1 вв. до н. э. создали на основе греческой традиции яркую и оригинальную художественную культуру. Их искусство отличается от греческих образцов интересом к индивидуальным особенностям, изменчивым состоянием тела и души, вниманием к деталям пейзажа, повышенной экспрессией, нередко достигаемой нарушением пропорций и равновесия фигур, а в 4 в. до н. э. также импульсивной широтой письма. Этрусское искусство оказало значительное влияние на становление искусства в Древнем Риме, античном государстве, которое в результате своей успешной завоевательной политики прошло исторический путь от небольшого города Рима в Средней Италии до могущественной мировой державы, простершейся от Сев. Африки до Британии и от Испании до Сирии. Римское искусство отражало особый интерес его создателей к неповторимости частного факта, что нашло отражение уже в первом, республиканском периоде истории римского искусства (6 — 1 вв. до н. э.), в частности в портрете, отмеченном жизненностью и острой индивидуальной выразительностью образов. На тот же период пришелся и ряд ярких достижений римской архитектуры, уже тогда обнаружившей свою наклонность к созданию образа динамичного, целеустремленного,экспансивного пространства. Активно применялись и такие редкие для греческих построек конструкции, как арка и свод, применение в строительстве бетона позволило заметно увеличить ширину перекрытий. С переходом от Республики к Империи, завершившимся в 27 г. до н. э., наступил новый период в истории римского искусства, продлившийся до 5 в. На протяжении времени существования Империи основные направления художественного развития оставались теми, что и прежде, но по масштабности и выразительности результаты намного превзошли все созданное в эпоху Республики. В светской архитектуре все более активно применялись арочные перемычки и сводчатые перекрытия, увеличившиеся в ширину благодаря прогрессу строительной техники. Во 2 в. для перекрытия круглого в плане храма был впервые применен купол. В конце периода Империи совершился выход за рамки собственно античного искусства и переход к художественной культуре средних веков. Особенно заметны эти процессы в искусстве римских провинций, западных и особенно восточных; условность изобразительных приемов и спиритуализм образов предвосхищали стилистику христианского искусства средних веков. В 4 в. сформировались основные типы христианского храма: базилика и центрально-купольное здание. Влияние античной художественной традиции на становление и развитие искусства последующих эпох невозможно переоценить. Средневековое искусство возникло в значительной мере как результат ее длительной и глубокой стилевой трансформации: со времени Возрождения и до 19 в. основой художественной педагогики, равно как одним из решающих стилеобразующих факторов для европейского искусства, становится осознанное и систематическое обращение к античной классике как образцу для подражания. См. Барокко, Классицизм, Неоклассицизм.






Архив ответов: общая карта



(c) Ответы на кроссворды.      [Художественный словарь]